INIMIGOS PÚBLICOS (Public Enemies, 2009), de Michael Mann

Primeiramente eu gostaria de pedir desculpas pela falta de atualização. Prestes a completar um ano de blogue, é a primeira vez que fico mais de uma semana sem postar um texto, imagem ou até mesmo uma mísera notícia, por mais cretina que seja. A última semana foi bem corrida e por isso não deu para atualizar, mas agora chega e vamos ao que interessa, vamos falar de cinema. Porque aqui em Vitória temos somente quatro cinemas. Dentre estes, apenas um não é de Shopping, para vocês terem uma noção de como a vida é algo deprimente por estas bandas. Arrisco a dizer que temos um dos piores circuitos do Brasil, considerando que o Espírito Santo pertence ao Sudeste, com suas capitais (excluindo Vitória) culturais e cheias de amor para dar. Se atualmente eu vejo um blogueiro de São Paulo ou Rio reclamando do circuito, queria saber como ele iria se virar por aqui...

Embromei vocês apenas para dizer que INIMIGOS PÚBLICOS estreou por estes lados junto com a moçada no restante do Brasil, na data certa, na última sexta feira. E lá estava eu, levei a patroa, claro, pois também é fã de Michael Mann (embora confunda Mann com Scorsese, ou De Palma, ou Coppola, mas o importante é que assiste aos filmes), demorei uns 5 segundos na difícil escolha de qual cinema ir, já que são tantas opções de salas, optei por um cinema de Shopping e záz!

Ficar diante de um monumento como este aqui numa sala escura de cinema é uma experiência impar, sem dúvida alguma, assim como também aconteceu com COLATERAL e MIAMI VICE (claro que os outros trabalhos do diretor também dão o mesmo impacto, mas infelizmente eu não os vi na tela grande). INIMIGOS PUBLICOS é absolutamente extraordinário. Mais uma vez Michael Mann chega para mostrar como é que se faz cinema de verdade, puro, mesmo utilizando-se de tecnologia digital, que não faz mal a ninguém, principalmente nas mãos de um mestre como este cabra aqui. É perfeito o domínio que o sujeito tem de espaços, de movimentação de câmera, da criação atmosférica dos ambientes, controle sobre os atores. É impressionante a que nível o cinema de Mann atingiu (e que já havia atingido desde a época de FOGO CONTRA FOGO e O INFORMANTE, mas permanece amadurecendo e nos surpreendendo).

E depois temos Johnny Depp de corpo presente vivendo um Dillinger de carne e osso, apenas atuando, sem precisar de suas transfigurações exóticas que alguns críticos acham necessárias para que tenha um bom desempenho. Da mesma forma, comedida e sem exageros, está a performance de Christian Bale, que convence como o policial sangue frio que mantém um certo código moral injetado na veia. Ainda temos Marion Cotillard, que é um pitel (e boa atriz também) e é peça chave na trama como par romântico do protagonista. O resto do elenco é recheado de bons atores que merecem destaque nas mínimas participações, como James Russo, um dos grandes atores subestimados da história do cinema, que não tem nem 5 minutos em cena. Além dele, Stephen Dorff, Billy Crudup, Giovanni Ribisi, Stephen Lang e vários outros, possuem presenças marcantes.

Creio que a trama todo mundo já deve saber, aborda a figura de John Dillinger e transcorre no último ano de vida deste lendário assaltante de bancos que causou o terror nos Estados Unidos no período da grande depressão e ficou conhecido como o inimigo público número 1 da América. Mas como se trata de Michael Mann, não vamos esperar apenas um filme policial/assalto comum, mas um épico definitivo sobre o próprio cinema de Mann e suas obsessões. Portanto, a preocupação profunda pelos personagens, seus conflitos morais e psicológicos, suas relações, vidas que vão muito além do que é simplesmente visto na tela, tudo se torna evidente dentro do fio condutor da trama, que está longe da estrutura habitual dos filmes policiais. É, na verdade, um autêntico exemplar de gangster movie de construção clássica. Além disso, não são poucas as situações deste aqui que podem ser observadas em outros filmes de sua carreira; pequenas releituras e reinvenções de seus próprios trabalhos.

Trilha bacana com a Billie Hollyday, edição de som sensacional (Tommy Guns cuspindo fogo à vontade), fotografia caprichada, várias cenas antológicas, enfim, um primor. INIMIGOS PÚBLICOS é filme para ser revisitado várias e várias vezes, captando a cada revisão uma riquezas de novos detalhes. E é exatamente isso que farei. Mas já tenho certeza absoluta que se trata de um dos grandes filmes de 2009.

A BUCKET OF BLOOD (1959) & PREMATURE BURIAL (1962), de Roger Corman

No post anterior, antes do top 10 oscarizados, eu escrevi sobre um filme que o grande mestre dos filmes B's americano, Roger Corman, produziu para um dos seus incontáveis pupilos, Jim Wynorsky. Mas acabei me lembrando que nos últimos dias eu assisti a estes dois ótimos filmes que o sujeito trabalhou diretamente atrás das câmeras, sentado na cadeira de diretor.

O primeiro foi A BUCKET OF BLOOD, uma pequena obra prima; dos melhores filmes do Corman que eu já tive o prazer de assistir. Trata-se de uma comédia de humor negro inteligente numa trama de terror, muito bem elaborada para o tipo de produção, e conta com a presença de Dick Miller, o eterno coadjuvante de centenas de filmes, vivendo aqui o seu grande momento como protagonista.

Miller interpreta Walter Paisley, um infeliz garçom do bar The Yellow Door, local onde frequentemente se reúnem músicos, poetas, escritores, artistas de baixa categoria, mas que se acham o máximo, a nata cultural. O próprio Paisley os considera seres geniais e nutre o desejo de se tornar um artista famoso, respeitado, ser exatamente como aqueles pseudos-intelectuais a sua volta que ele tanto admira.

Na busca pelo reconhecimento artístico, Paisley consegue chamar a atenção do grupo quando aparece com uma escultura de argila com o formato de um gato morto. O que acontece, na verdade, é que ele matou, involuntariamente, o gato do vizinho e teve a idéia de revesti-lo com argila. A obra é um sucesso, mas para manter o status conquistado, Paisley terá que continuar criando e mostrando outras obras. O problema é quando sugerem que ele faça figuras humanas... e em tamanho real... creio que já deu pra sacar qual é do filme, né?

A BUCKET OF BLOOD marcou um ponto alto na carreira de Roger Corman. Não chegou a ser um estrondoso sucesso comercial, mas teve um feito duradouro e influente no gênero do horror em alguns elementos. Poderíamos até dizer que o filme é um dos precursores do subgênero Slasher, quase vinte anos antes de HALLOWEEN. O personagem de Dick Miller, que está magnífico, um dos primeiros e mais memoráveis serial killer’s do estilo.

A direção do Corman é, no mínimo, uma aula de como realizar um grande filme com tão pouco. O público nunca sente que está diante de uma produção de baixo orçamento, filmado na correria habitual dos pequenos estúdios de onde saiam vários filmes B em um curto espaço de tempo. Corman filma apenas o essencial, cada plano, corte, sequencia, não poderia ter ficado melhor do que aquilo que é visto na tela. Sem dúvida, um dos filmes mais divertidos que vi nos últimos tempos.

O outro foi PREMATURE BURIAL. Filmado à cores, é um trabalho mais sério do diretor, com uma fotografia caprichada, carregada de elementos atmosféricos e tons fortes bem ao estilo que o Mario Bava fazia em seus filmes nos anos 60, como em BLACK SABBATH, KILL BABY KILL, THE WHIP AND THE BODY, etc.

Baseando-se em mais uma obra de um dos meus escritores favoritos, Edgar Allan Poe – li, recentemente, O RELATO DE ARTHUR GORDON PYNN, que é um dos relatos mais geniais do sujeito – Corman aposta desta vez num terror psicológico, cuja trama apresenta Ray Milland, ao invés de Vincent Price, seu colaborador habitual em adaptações de Poe, interpretando um pintor que tem pavor da situação de ser enterrado vivo por engano.

PREMATURE BURIAL é bacana e também demonstra a desenvoltura de Corman na direção de produções com orçamentos apertados, além do resultado da beleza visual e atmosférica que consegue alcançar. Mas o grande deleite está na presença de Milland, um ator soberbo que ganhou um oscar pelo seu desempenho em FARRAPO HUMANO, de Billy Wilder, mas depois, não me pergunte como, acabou parando nos sets de produções de filmes B. Sua performance aqui é extraordinária e já paga o ingresso.

Os dois filmes, A BUCKET OF BLOOD e este aqui, são perfeitos para um double feature do diretor. São curtos, divertidos, provam o talento do sujeito em duas vertentes e estilo visuais diferenciados, uma maravilha! Apenas com a ressalva de que A BUCKET OF BLOOD é bem superior, marcante, um clássico do terror/humor, enquanto PREMATURE BURIAL é apenas mais um filme da série de adaptações de Poe, mas em se tratando de Roger Corman, é diversão garantida de qualquer jeito.

Meus oscarizados favoritos...

Post meio bobo este aqui, mas já que o Oscar 2010 de melhor filme será disputado por dez filmes, segue uma lista dos meus dez vencedores favoritos (em ordem cronológica):

COMO ERA VERDE O MEU VALE (How Green Was My Valley, 1941), John Ford:
Longe de ser um dos melhores filmes do diretor, mas foi o único trabalho de Ford que abocanhou o prêmio principal, e justamente no mesmo ano em que CIDADÃO KANE participava. Claro que não é só por isso que o filme entra na lista; realmente é uma obra danada de bonita e comovente, repleto do que há de melhor no cinema fordiano em grande proporção, contando o drama de uma família numa vila de mineradores de carvão em tempos árduos.

SINDICATO DE LADRÕES (On the Waterfront, 1954), Elia Kazan:
O primeiro Oscar de melhor ator que Marlon Brando recebeu foi interpretando Terry Malloy, um ex-boxeador ingênuo usado pelo sindicato das docas para fazer serviços sujos. Clássico absoluto que denuncia a corrupção na cara dura, além de ser uma justificativa pessoal do diretor a respeito das delações que fez à Comissão de Inquérito do Congresso contra seus colegas do Partido Comunista. Conta ainda com um elenco dos mais interessantes: Lee J. Cobb, Karl Malden (que morreu recentemente), Rod Steiger, Eva Marie Saint. A cena do carro onde Terry põe para fora todas suas amarguras, apesar das palhaçadas de Brando nos sets de filmagem, demonstra o potencial de um dos melhores atores que o cinema conheceu.

LAWRENCE DA ARÁBIA (Lawrence of Arabia, 1962), David Lean:
Se eu pedir para vocês pensarem num filme que transcorra num deserto, aposto que o primeiro que surge em mente é este belíssimo trabalho de Sir David Lean. Se isso não acontece, provavelmente é porque você ainda não assistiu, pois é difícil de esquecer as imagens hipnóticas tão bem filmadas das paisagens desérticas, a fotografia de Freddie Young, o acompanhamento sonoro de Maurice Jarre, e muitos outros aspectos interessantes de LAWRECE DA ARÁBIA. Peter O’Toole deu sangue (literalmente) para dar vida a T.E. Lawrence, oficial inglês de grande importância na Primeira Guerra Mundial lidando com os árabes, além de ser um personagem extremamente ambíguo e complexo. O elenco ainda se destaca por grandes momentos de Omar Sharif, Alec Guinness, Anthony Quinn, Claude Rains e José Ferrer.

PERDIDOS NA NOITE (Midnight Cowboy, 1969), John Schlesinger:
Começando com o velho clichê: este aqui é o primeiro filme com classificação X a ganhar o prêmio principal no Oscar. Era o período de grandes mudanças no cinema americano e PERDIDOS NA NOITE é um dos mais significativos. A trama já parte de uma premissa ousada sobre um sujeito do interior do Texas (Jon Voight) que vai à cidade grande com o objetivo de se tornar gigolô. Não tem muita sorte, mas acaba fazendo amizade com Ratso Rizzo (Dustin Hoffman), um típico vagabundo do submundo que alimenta o sonho de morar na Flórida. O filme concentra a atenção na relação destes dois seres estranhos, solitários e perdidos e Hoffman e Voight contracenando é uma das grandes maravilhas do cinema. Mas a ótima direção de John Schlesinger também merece destaque pelos momentos visuais incríveis e realistas, em alguns momentos dialogando com os drugsploitations da época. Até hoje me impressiona o fato ter levado o prêmio.

OPERAÇÃO FRANÇA (The French Connection, 1971), William Friedkin:
Outro filme nada convencional que recebeu o Oscar de melhor filme. E um filmaço de grande importância, diga-se de passagem! Um dos principais exemplares que definiu o cinema policial americano que buscava realismo e crueza, influenciou os poliziotteschi italianos e apontou William Friedkin como um dos grandes mestres na arte da direção. A trama gira em torno de dois detetives, Popeye Doyle (Gene Hackman) e Buddy Russo (Roy Scheider), que investigam um esquema de tráfico de drogas que envolve uma quadrilha francesa, cujo líder é interpretado por ninguém menos que o grande ator espanhol Fernando Rey. A trama é bem simples, mas é a direção magistral, a construção atmosférica, a fotografia granulada de Owen Roizman, as atuações perfeitas de Hackman e Scheider que tornam OPERAÇÃO FRANÇA um dos meus preferidos da lista.

O PODEROSO CHEFÃO (The Godfather, 1972), Francis Ford Coppola:
Nem gosto muito de comentar sobre este. O que dizer? É um filme tecnicamente perfeito em todos os sentidos, anacrônico, com atuações marcantes de um elenco notável e possui incontáveis cenas antológicas e inesquecíveis. Embora meu filme de máfia preferido ainda seja ERA UMA VEZ NA AMÉRCA, é inegável a sua importância e totalmente justa a reverência que quase todos fazem ao filme. Queria colocar a segunda parte na lista, mas aí seria exagero e teria que tirar algum outro desses que tanto adoro, mas fica a consideração de ser um grande filme também.

NOIVO NEURÓTICO, NOIVA NERVOSA (Annie Hall, 1977), Woody Allen:
Para quem não sabe, sou um tremendo fã de Woody Allen, principalmente da fase do final dos anos 70 e inicio dos 80, quando o sujeito realizou alguns de seus melhores filmes em um curto espaço de tempo, como este aqui, MANHATTAN e sua obra prima máxima: MEMÓRIAS. Dificilmente teremos comédias entre os vencedores do Oscar. Allen conseguiu esta façanha com um roteiro genial sobre um comediante neurótico, interpretado por ele mesmo, claro, que se apaixona por uma cantora de night club, a Annie do título, interpretada por Diane Keaton, uma moça muito mais problemática que ele. Daí se desenrola situações que vão do humor negro às mais hilariantes passagens, recheadas com suas frases impagáveis.

O FRANCO ATIRADOR (The Deer Hunter, 1978), Michael Cimino
Belezura de filme de um dos diretores americanos mais visionários que já colocou os pés num set de cinema. É o meu filme preferido da lista e que me abriu os olhos para um específico cinema americano e as suas possibilidades (e que poucos diretores conseguiram atingir), eu poderia gastar uns dez parágrafos falando das qualidades do filme, mas não é o objetivo agora. Só destaco a cena em que Robert de Niro e Christopher Walken, prisioneiros de guerra no Vietnã, praticam roleta russa sob a mira das metralhadoras dos vietcongs. Existe alguma cena mais tensa do que esta no cinema americano? Alguém se arrisca?

OS IMPERDOÁVEIS (Unforgiven, 1992), Clint Eastwood:
Clintão já havia botado respeito com filmes mais sérios que mudaram a cara de sua carreira como diretor com filmes como BIRD e CORAÇÃO DE CAÇADOR, até que fez este magnífico trabalho, um western de construção clássica no qual homenageia seus mestres, Sergio Leone e Don Siegel, além de ser a obra definitiva sobre a desmistificação do herói do faroeste americano. No elenco, além do próprio Clint, Gene Hackman, Morgan Freeman e Richard Harris dão um espetáculo de interpretações. Poucas vezes o Oscar fez uma escolha tão acertada ao premiar um filme.

ONDE OS FRACOS NÃO TÊM VEZ (No Country for Old Men, 2007), Joel e Ethan Coen:
Depois de dois fiascos lamentáveis, os irmãos Coen demonstraram que ainda estão no páreo entre os grandes diretores americanos atuais. Este aqui é um monumento, contém todos os elementos que fizeram o cinema dos irmãos e muito mais. Personagens brilhantemente construídos, uma secura totalmente inesperada, direção puramente cinematográfica com domínio total do tempo, dos espaços, do valor de cada corte... E nem precisava, mas vamos lá: Javier Barden como o assassino psicopata já está se tornando um clássico!

SORORITY HOUSE MASSACRE II (1990), de Jim Wynorski

Não se preocupem com aquele “II” do título, apenas um pequeno detalhe que não vai fazer diferença alguma na hora de apreciar esta tosqueira em forma de slasher, dirigido por Jim Wynorski, por dois motivos básicos. Primeiro porque é possível acompanhar os eventos tranquilamente, independente dos acontecimentos do filme original (que na verdade eu não vi, trata-se de SORORITY HOUSE MASSACRE, claro, de 1986, dirigido por Carol Frank). O outro motivo é que estes eventos não passam de pretextos para vários assassinatos, como um bom slasher tem de ser, e uma generosa dose de mulheres nuas. Ou seja, a diversão é garantida.

A trama de SORORITY HOUSE MASSACRE II inicia quando um grupo de cinco garotas chega a uma casa recém comprada onde pretendem formar uma sociedade de não sei o que exatamente, mas tanto faz. A casa é a mesma em que há cinco anos atrás ocorreram os assassinatos do primeiro filme (e é esta a única ligação direta com o original). Um vizinho, o estranho Orville, chega ao local e narra os fatos macabros que aconteceram no passado naquela casa às garotas, fala como o assassino morreu (tudo mostrado num flashback com cenas do primeiro filme) e deixa a chave do sótão com elas.

A casa se encontra sem energia, telefone, móveis, tudo será resolvido no dia seguinte e, além disso, uma tempestade se aproxima. Mesmo assim, elas decidem dormir no local e para passar o tempo, nada melhor do que todas trocarem de roupas em frente à câmera, colocarem seus baby dolls e utilizarem aquele tabuleiro com as letras do alfabeto que serve para invocar espíritos e essas coisas do cão! Claro que com isso não se brinca, principalmente num filme terror, pior ainda se tiverem a idéia genial de invocar justamente o assassino de cinco anos atrás.

A partir daí, coisas estranhas começam a acontecer, e não demora muito para os assassinatos misteriosos iniciarem. Existe ainda uma trama paralela onde um casal de policiais investiga uma possível ligação do vizinho bizarro com o assassino, mas não passa de baboseiras do roteiro para encher lingüiça, porque essa investigação não faz sentido algum, a não ser tornar o filme um pouco mais longo. O filme tem uma duração total de 1 hora e pouco, sem essas seqüências seria um média metragem...

Jim Wynorski, juntamente com o Fred Olen Ray, é praticamente um Jess Franco ou Joe D’Amato da sua geração. Passeia pelos diversos gêneros com facilidade realizando centenas de filmes de baixo orçamento e bastante apelativos. Teve como mentor o pai do cinema B americano, Roger Corman, que produziu vários filmes no inicio de sua carreira (este aqui, por exemplo). Mas assim como Franco e D’Amato, a qualidade técnica de Wynorski como diretor em SORORITY HOUSE MASSACRE II é totalmente desleixada. Erros básicos de continuidade, microfones aparecendo nos cantos do quadro, um espetáculo de falhas que fazem a alegria dos fãs deste tipo de material e dá um charme a mais na obra.

Mas o mais legal do filme é o personagem Orville, interpretado pelo ator Peter Spellos, uma figura insólita que não morre de forma alguma. Pancadas na cabeça, facadas, tiros de escopeta, estrangulamento, o sujeito sempre se levanta. E depois de tudo isso, apesar da aparência bizarra, começamos a nos afeiçoar pelo sujeito. Já no plano feminino, não adianta analisar atuações, seria perda de tempo. Elas não estão ali para atuar, mas simplesmente exibir os atributos físicos para alegria dos cuecas de plantão e ficarem desfilando com o mínimo de roupa durante o filme inteiro.

E aqui vai o meu agradecimento ao grande Osvaldo Neto, do blog Vá e Veja (esperamos ansiosamente pelo retorno) que me forneceu essa maravilha. Já faz um tempinho que ele me enviou, mas só agora parei para assistir. Se eu soubesse que teria momentos tão divertidos, teria visto antes.

SOYLENT GREEN (1973), de Richard Fleischer

Ah! Os bons tempos em que a ficção científica era tratada no cinema de forma simples, criativa, reflexiva... pena que eu não era nem nascido na época, ou era muito novo já nos anos 80, mas tudo bem. Boa vontade para resgatar estes filmes é o que não falta.

No fim dos anos 60 e inicio dos 70 o cinemão americano ainda ia muito além do que uma simples diversão de fim de semana. Nesta mesma época as produções Sci Fi começaram a apostar com mais intensidade na vertente dos futuros sombrios, pessimistas e apocalípticos pós-nuclear com fortes mensagens políticas/sociais referente às possíveis conseqüências da Guerra Fria. Filmes como PLANETA DOS MACACOS e THE OMEGA MAN são bons exemplos que ilustram a maneira de recriar sem frescura estes universos. SOYLENT GREEN também entra na dança. E Todos que citei foram estrelados por Charlton Heston.
Após interpretar Moisés em OS 10 MANDAMENTOS, ganhar o Oscar por BEN HUR, interpretar o pintor renascentista Michelangelo em AGONIA E EXTASE e trabalhar com grandes diretores nos anos 60 como Sam Peckinpah, Anthony Man e Nicholas Ray, Charlton Heston decidiu mudar um pouco o tom de sua carreira, tornando, nos anos 70, um autêntico action man em filmes de ação, western, ficção científica e até em uma das superproduções que iniciaram o filão “filme catástrofe”, TERREMOTO. Mas principalmente as produções mais modestas deram ao sujeito uma brecha para que explorasse personagens curiosos e estranhos, como o Thorn de SOYLENT GREEN.

Baseado no romance Make Room! Make Room! de Harry Harrison, o filme transcorre no ano de 2022, em Nova York, onde 40 milhões de pessoas vivem abarrotadas pelas ruas como animais. Para piorar, o aquecimento global já atinge proporções absurdas e a escassez de alimentos e objetos comuns do dia a dia permeia sobre a população; o único alimento disponível é provido pela corporação Soylent, que distribui tabletinhos com cores e sabores diferentes. Mas o que faz mais sucesso com a moçada é o Soylent Verde, com seu sabor indefinido, mas com um valor nutritivo suficiente para a sobrevivência desta raça que conhecemos como humanos.
O problema é que até mesmo os produtos Soylent estão começando a faltar para a população, e estes, insatisfeitos, iniciam frequentes motins contra o sistema a cada distribuição mal feita. Em uma dessas sequências, é mostrado como a polícia resolve este pequeno probleminha habitual. Basta alguns caminhões com carregadores de areia de trator acoplados à frente para retirar as pessoas da multidão enfurecida como se fossem, realmente, grãos de areia. Sensacional!
E onde o Charlton Heston entra nessa estória toda? Bom, a trama de SOYLENT GREEN é estruturada como um filme policial, com direito a investigações e etc, apenas enquadrada neste contexto futurista. Thorn é um oficial da lei que, com a ajuda de seu velho amigo Sol (Edward G. Robinson em seu ultimo papel no cinema) com quem divide o apartamento, tenta resolver o caso do brutal assassinato de um alto executivo da multinacional Soylent, mas a cada descoberta, o sujeito se depara com um segredo terrível envolvendo a fórmula de fabricação do Soylent Verde... qual será o segredo da receita? Eu não vou contar, mas depois que eu descobri, perdi o apetite...
Umas dos melhores detalhes do filme é a composição de Thorn. Ele é praticamente um policial meio depravado pelas circunstancias da qual o mundo se encontra. Quando entra na casa do milionário assassinado, no local do crime, Thorn começa a ver objetos simples que nunca havia visto antes – e aproveita para roubá-los e levar para o seu amigo Sol (que chora ao ver alguns itens que imaginava nunca ver novamente) – como sabonete, whisky, um pedaço de bife, extremamente raro, entre outras coisas. É preciso ver a expressão de prazer de Heston quando seu personagem lava o rosto numa torneira de água corrente e quentinha. Algo praticamente impossível de se fazer em condições cotidianas. São vários os detalhes que ajudam a compor o personagem e definem o futuro apresentado.
Além de Heston e Robinson, temos no elenco o veterano Joseph Cotten em uma pequena participação como o milionário assassinado e Chuck Connors como seu guarda costa e uma pedra no sapato de Thorn. Mas Robinson, bastante velhinho e ciente que a morte se aproximava (morreu pouco tempo depois que as filmagens foram finalizadas), é quem rouba o filme. A cena onde ele vai para “A Casa”, uma espécie de clínica onde as pessoas desfrutam de alguns minutos de paz e logo depois recebem uma morte boa e tranqüila é belíssima e impossível não se emocionar. Uma despedida à altura do grande trabalho que Robinson prestou ao cinema como ator.
A direção é de Richard Fleischer, legítimo autor do cinema de gênero americano e não um empregado de estúdio como muitos o subestimam, infelizmente. SOYLENT GREEN é um dos seus maiores exercícios de criatividade. Com poucos elementos e a decoração retrô dos anos setenta, deu uma visão de futuro apocalíptico muito mais convincente que a maioria dos filmes atuais cujos executivos dos estúdios preferem gastar rios de dinheiro para criar universos artificiais em computação gráfica (claro que naquela época não existia CGI, então os realizadores tinham que botar a cuca pra funcionar mesmo).

E para deixar a coisa ainda mais interessante, porque eu não sou de ferro, Fleischer arruma uma forma de relacionar toda o pensamento sobre o futuro da humanidade com boas doses de cenas de ação ao estilo seco e sem firulas da época.
Mas quanto a “mensagem” geral e profundamente reflexiva de SOYLENT GREEN sobre este futuro negro que o filme apresenta, eu parei para pensar e interpretar todos os elementos e acabei chegando na seguinte conclusão (e estou aberto a discussão): contanto que eu seja um dos milionários que come filé mignon em uma cobertura de luxo, a humanidade pode seguir comendo seus tabletinhos tranquilamente. Caso contrário, a vida seria uma merda!

BLOOD FOR DRACULA (Dracula cerca sangue di vergine... e morì di sete!!!, 1974), de Paul Morrissey

Sem muito tempo para escrever, dei uma atualizada neste meu texto antigo, publicado em outro blog que eu tinha. Trata-se do meu filme de vampiros favoritos...

O cinema de Andy Warhol

Na verdade, o Warhol apenas produziu. Acho que título do texto deveria ser “O cinema de Paul Morrissey”, que foi o roteirista e diretor do dito cujo aqui. Mas com certeza o nome do famoso artista plástico chama mais a atenção. Warhol e Morrissey fizeram outras parcerias, incluindo FLESH FOR FRANKENSTEIN, uma releitura bizarra do clássico de Mary Shelley. BLOOD FOR DRACULA também é uma variação atípica, mas da criação de Bram Stoker. Apresenta um Drácula que sai durante o dia, embora seja um tanto frágil à luz; não tem problema em pegar ou ver cruzes, mas não gosta delas; o seu problema com alho consiste em come-los apenas; e o único sangue que bebe é de moças virgens.

O filme inicia na Romênia dos anos 30 com Udo Kier, ainda novo, vivendo um Conde Drácula exótico, moribundo, fraco e necessitado de sangue já que não consegue arranjar mais virgens para chupar o cangote. É, então, convencido pelo seu criado, Anton, o estranho Arno Juerging, para ir à Itália, país religioso que preza pelo cabaço de suas filhas, onde, teoricamente, seria mais fácil de arranjar o "alimento", diferente da Romênia onde a virgindade é algo escasso.

Chegando ao país da bota, é recebido pelo Marquês di Fiore e sua esposa, que possuem quatro filhas. O Marquês é interpretado pelo grande diretor italiano Vittorio de Sica e seu personagem, falido financeiramente, aproveita para beneficiar-se das intenções do Conde que anuncia o desejo de se casar com uma de suas filhas. O grande problema é o criado da família (Joe Dallesandro), um sujeito de pensamentos socialistas que acredita na queda da classe dominadora enquanto pratica o coito com duas das filhas do Marquês... e ao mesmo tempo.

Morrissey subverte a história para um estudo visual-erótico-sanguinário e até político (na visão do criado). O conflito entre ele e o conde é símbolo de lutas entre classes, sendo que os dois, dentro do contexto de cada um, têm o mesmo objetivo de ter nos braços as filhas do Marquês. Uma dialética ambiciosa para um filme de terror aparentemente oportunista e apelativo para sangreira e mulher pelada.

A busca pela virgem prossegue dentro da mansão do Marquês, embora já se saiba, duas das filhas, Rubinia e Saphiria, são bem sapequinhas. Também são lindas e protagonizam várias cenas de nudez com direito a petecas cabeludas e encenações de sexo soft-core com o pobre criado socialista. Logo, o vampirão abre olho em cima delas, já que as outras duas filhas são, inicialmente, rejeitadas. Esmeralda, a mais velha, é desprovida de beleza e Perla, a mais linda entre todas, é muito nova.

O Conde rapidamente descobre que as duas beldades não são virgens, e de uma maneira muitoo visceral. Após chupar o pescoço de suas vítimas para retomar suas forças, seu corpo rejeita o sangue impuro criando seqüências que fazem valer a excelente performance de Kier, que vomita sangue em expressões angustiadas. Kier possui muita presença, com uma linguagem corporal que lembra os atores do cinema mudo, como no início, se maquiando em frente ao espelho (sem ver seu reflexo, lógico).

Morrissey parece ter uma afinidade em criar o choque no publico. Seja no catártico e sangrento desfecho ou na forma como apresenta os costumes de uma época a fim de expandir os limites do que era aceitável dentro do comportamento de uma sociedade com relação à sexualidade, que é um dos pontos principais explorados aqui. A direção é bem característica dos exploitations da época, com zoons e closes enfocando os exageros e os excessos. Desde o olhar expressivo de Kier até mesmo os litros de xarope derramados.

Ainda há a participação especial de Roman Polanski como um italiano espetinho que sacaneia Anton com um jogo bobo. Polanski estava realizando WHAT? em um set de filmagens na Itália perto do local onde Morrissey filmava BLOOD FOR DRACULA, um filme que quase não vejo ser comentado por essas bandas, mas extremamente recomendável para os amantes dos verdadeiros filmes de terror e que estão cansados de ver sempre a mesma porcaria nos filmes atuais.

FALCÕES DA NOITE (Nighthawks. 1981), Bruce Malmuth

Já faz um tempinho que namorava este filme na Americanas, especialmente pelo precinho, mas como não tinha visto ainda, hesitava. Depois que o Daniel me recomendou, deixei de frescura e comprei FALCÕES DA NOITE, e agora recomendo a vocês, porque realmente vale a pena. É assumidamente um filme menor na carreira do Stallone, fica ali na meiuca entre o Sucesso da série ROCKY e RAMBO, nunca teve a atenção que merece, mas no fim das contas é um interessante filme policial.

FALCÕES DA NOITE apresenta Wulfgar (Rutger Hauer), um terrorista europeu que acaba perdendo a linha nos seus negócios, que se resume em explodir lugares e pessoas, e precisa sair de cena por uns tempos, antes que seus ex-companheiros o traia ou a polícia o prenda. Então decide ir para Nova York, lugar perfeito para se abrigar terrorista sem ser incomodado, principalmente depois de uma plástica facial.

O que Wulfgar ainda não sabe é que um especialista anti-terrorismo, Peter Hartman (Nigel Davenport) antecipou seus movimentos e já está em Nova York planejando uma forma de capturá-lo, e para isso conta com uma ajudinha extra formada por alguns dos melhores homens do departamento de polícia. Deke DaSilva (Stallone) e Matthew Fox (Billy Dee Williams), por exemplo, são perfeitos para essa missão. Extremamente capacitados e conhecem cada canto do submundo nova-iorquino, mas antes, passam por um treinamento anti-terrorismo que martela na cabeça dos policiais a necessidade de matar o Wulfgar de qualquer maneira, nem que coloque em risco a vida de inocentes, algo que DaSilva é totalmente contra, mas decide permanecer no grupo assim mesmo, depois de refletir profundamente.

Stallone e Williams estão muito bem, em ótima fase, e possuem uma química que funciona legal como parceiros policiais. O que chama a atenção é Stallone estar longe do seu habitual estereótipo do policial que se acha acima da lei, embora seja de fibra, mas se apresenta em FALCÕES DA NOITE um pouco mais comedido, introspectivo, demonstrando uma faceta diferente do ator como action man dos anos oitenta. Mas o melhor do filme é definitivamente Rutger Hauer (neste que é seu primeiro filme americano), muito convincente, com um olhar expressivo, louco, fazendo o terrorista sangue frio que mata sem piedade. É impressionante como hoje ele seja tão mal aproveitado no cinema.

Indo do "tema policial urbano" à "trama de terrorismo internacional", o filme oferece alguns ótimos momentos de ação e outros em que o rendimento cai um bocado, mas nada que estrague a diversão, longe disso, principalmente porque o “tema policial urbano” (que eu adoro) prevalece em cima da “trama internacional” (que às vezes pode soar bem chatinha) – a cena do bondinho com os reféns, por exemplo, é uma que acho muito longa, muito embromada, embora mostre o quão sádico Wulfgar pode ser. Mas é um filmaço, sem dúvida.

Blog de Ouro

Apesar da falta de tempo da última semana que não me permitiu atualizar quando eu queria, agradeço ao colega Ibertson Medeiros, do blog Cinema para Todos, pela lembrança ao indicar o DEMENTIA 13 ao Blog de Ouro, uma menção simbólica, sabemos, mas visa incentivar o blogueiro e atesta a qualidade do seu trabalho. Enfim, valeu!

COMBOIO DO MEDO (Sorcerer, 1977), de William Friedkin

Outro exemplar das minhas obrigações cinematográficas que acabei matando neste último fim de semana foi esta extraordinária obra de William Friedkin. SORCERER é dedicado ao diretor francês Henry-George Clouzot, que em 1953 realizou uma primeira versão, O SALÁRIO DO MEDO, baseado no livro de Georges Arnaud. E que me perdoem os fãs deste último, que é um filmaço sem dúvida alguma, mas o trabalho de Friedkin neste remake é incrivelmente superior, provando que refilmagens de verdadeiros clássicos consagrados podem dar certo. Mas também não precisam exagerar como se faz atualmente em uma quantidade absurda de remakes que param nas mãos de vários diretorzinhos medíocres sem personalidade alguma.

Aqui é outro caso. William Friedkin já tinha no currículo OPERAÇÃO FRANÇA e O EXORCISTA, duas obras da maior importância em seus respectivos gêneros, além de possuir um talento único na direção e na concepção de suas idéias. Mesmo assim, são várias as histórias de bastidores sobre as dificuldades de levar SORCERER às telas de cinema; desde os problemas em arranjar dinheiro para a produção, as filmagens no local (que colocou em risco a vida da equipe em várias situações), um furacão que atrasou o trabalho e até mesmo na escolha do elenco. De todos os atores principais, apenas um desconhecido, chamado Amidou, foi a primeira escolha de Friedkin. Steve Mcqueen, Clint Eastwood e Jack Nicholson foram cotados para viver o protagonista. Todos recusaram por algum motivo. Acabou mesmo com o Roy Scheider, que já havia trabalhado com o diretor em OPERAÇÃO FRANÇA.

A trama principal é basicamente a mesma de O SALÁRIO DO MEDO, apenas muda a contextualização histórica, sobre um grupo de homens que tem a missão de transportar uma carga de dinamites velhas (com vazamento de nitroglicerina correndo o risco de explodir a qualquer movimento brusco; no caso do filme francês, era apenas a nitroglicerina liquida mesmo) em caminhões caindo aos pedaços, pelas florestas de um país tropical. Diferente do original também, Friedkin enriquece o seu filme ao aprofundar-se nos personagens, mostrando os motivos que os levaram a estar naquele vilarejo no fim de mundo, o que toma quase a metade do filme, mas não se preocupem, porque Friedkin nunca deixa que a narrativa perca sua força. É apenas uma preparação perfeita para a outra metade, a missão suicida que deixa o espectador tenso, vendo a avó pela greta.

O poder visual do filme sob a batuta da direção crua de Friedkin talvez seja o ponto mais significativo do filme, sempre tratando os eventos e a ambientação de miséria e violência com um realismo impressionante, com uma linguagem quase documental. A cena em que o comboio atravessa uma ponte completamente instável é um verdadeiro espetáculo cinematográfico, de colocar o publico de joelhos! Uma pena que SORCERER tenha sido um fracasso de bilheteria. Mas é um filmaço altamente recomendável.

FÚRIA MORTAL (Out of Justice, 1991), de John Flynn

Eu cresci assistido aos filmes do Seagal, incrível eu nunca ter visto justamente este aqui, provavelmente seu melhor filme! Mas vamos ser sinceros, né? Steven Seagal nunca foi exatamente um ator de verdade. Ele parece mais interessado em utilizar o cinema como veículo de divulgação de mensagens ecológicas e sociais sem profundidade alguma e aproveita que sabe muito de porrada para disfarçar tudo isso em filmes de ação que enchem os olhos dos adolescentes, como foi o meu caso. Claro que depois de uma certa idade eu percebei que a maioria de seus filmes não passam de besteiras, ainda que eu me lembre de alguns bem divertidos, como A FORÇA EM ALERTA...

Mas OUT OF JUSTICE é o tipo de filme que seria bom independente de quem fosse o protagonista, levando em conta outros atores de filmes de ação do fim dos anos 80 e inicio dos 90 (fico pensando como ficaria se estrelado por um Bruce Willis), mas calhou de ser o Seagal. E afirmo isso mesmo correndo o risco de alguém contestar: “mas outro ator não saberia lutar como ele”. Ok, mas quantos outros filmes de ação têm ótimas seqüências de luta sem que os atores tenham, sequer, noção de como aplicar um golpe? O Seagal no elenco é apenas um brinde pra quem gosta de artes marciais.

Na verdade, o ponto principal que favorece OUT OF JUSTCE é ter um mestre do cinema americano de ação conduzindo a bagaça. Estou falando do John Flynn, diretor subestimado de filmes como THE OUTFIT, ROLLING THUNDER e BEST SELLER, autênticas aulas de cinema que devem valer muito mais que alguns semestres de uma faculdade de cinema em qualquer instituição no Brasil. E aqui não é diferente. Pode-se considerar um filme menor do diretor, que já trabalhou com Robert Ryan, Robert Duvall, Tommy Lee Jones, James Woods e vários outros, mas o pulso firme para orquestrar alguns momentos são dignos de nota.

A simplicidade do enredo sem frescura também ajuda. Claro que aquelas mensagens de bom moço do Steven Seagal prevalecem algumas vezes, jogando na cara como ele é um sujeito integro, ético e bondoso com os animais, mesmo interpretando um policial casca grossa em busca de vingança, mas nada que perturbe a paz de quem está assistindo (contanto que ele não deixe de matar os caras maus com tiro na cara, não vejo problema algum). Seagal interpreta o policial nova-iorquino, descendente de italianos, Gino Felino (putz, mas que nomezinho cretino também) que após a morte de seu parceiro, Bobby, resolve fazer justiça com as próprias mãos (pedindo ao seu superior apenas uma espingarda e um tempinho pra realizar a tarefa).

O cenário da jornada é o submundo do Brooklyn. Gino cresceu no local, rodeado de gangsteres, e conhece todo mundo, inclusive o assassino de seu parceiro, Richie, interpretado por William Forsythe com a máxima personificação do mal. O sujeito é tão impulsivo, que logo após matar Bobby à sangue frio, atira na cabeça de uma senhora em pleno trânsito, pelo simples motivo de carros congestionados. E se para o sucesso de um bom filme ação um dos elementos é a criação de um bom vilão, então temos aqui um belo exemplar e Forsythe desempenha seu ofício com extrema perfeição.

Só que Richie não conta com a ajuda de ninguém nas ruas, a não ser alguns capangas. O sujeito é drogado, maluco e quer entrar para o crime organizado, mas com as atitudes que eu citei ali em cima e até a suposição da policia de que já esteja ligado ao crime organizado, faz com que até a máfia queira sua cabeça numa bandeja. E ainda há a própria policia comum que quer prendê-lo pelos crimes, com toda burocracia que envolve os processos de prisão, algo que Gino não quer de jeito algum.

Gino então possui dois problemas em sua missão: a) encontrar Richie antes da máfia e da policia, para que possa aplicar sua vingança com tranquilidade. Mas Richie está desaparecido e é meio complicado encontrá-lo. Pelo menos para quem está procurando, porque o facínora está sempre nos lugares mais óbvios. b) O roteiro ainda acrescenta novas idéias para deixar a trama ainda mais complexa (praticamente no patamar de um Tarkovsky). Gino cresceu no mesmo bairro de Richie e considera o pai deste seu segundo pai, e isso gera um conflito psicológico que bota Gino para esquentar os miolos, embora Steven Seagal, que é ator de alto nível, consiga manter a pose sem modificar a expressão (talvez algum músculo da parte inferior do queixo tenha contraído com mais força quando a mãe pede para não matar o seu filho).

Atuação por atuação, vamos ficar com o Forsythe que entra para uma galeria de vilões mais interessantes do cinema (?). Não, melhor não generalizar tanto. O cara é ótimo ator, seu personagem mata com a mesma facilidade que o ato de respirar, mas não é para tanto. Mas, sem dúvida, merece um destaque.

Assim como o Seagal não chega nem aos pés de Fosythe em termos de construção dramática na arte de interpretar, pelo menos se sai bem nas cenas de luta. Ah, nisso o cara é demais! E o Flynn se aproveita disso magnificamente em duas cenas especiais. A primeira é logo após uma perseguição de carro em alta velocidade que acaba dentro de um açougue onde Gino arrebenta uns cinco sujeitos utilizando objetos dos mais inusitados – dos quais deve ter aprendido no aprofundamento de sua arte marcial no Japão – uma linguiça, por exemplo. Outra cena muito boa é a do bar com as mesas de sinuca, uma das melhores seqüências de luta que o Seagal protagonizou.

Se você é fã de carteirinha de Steven Seagal e o acompanha hoje em dia com seus filmes mais recentes, ainda quebrando a cara de vagabundos, mesmo com a barriguinha saliente que adquiriu ao longo da idade, então OUT OF JUSTICE é feito para você (se bem que, para quem ainda o acompanha, este aqui, com certeza, já deve ter visto). Com uma história simples, curta, mas muita diversão garantida com boa dose de violência, Seagal distribuindo tiros, porradas e frases politicamente corretas, além de contar com direção de John Flynn, é indiscutivelmente um filme imperdível.

Karl Malden

RIP
1912 - 2009

Top 10 do primeiro semestre

É vergonhosa a quantidade de filmes recentes que eu tenho assistido. Mesmo assim, seguem abaixo os dez melhores do primeiro semestre entre os filmes que assisti (incluindo os lançados por aqui no ano passado dos quais só pude ver este ano):

1. O LUTADOR (2008), Darren Aronofsky
2. VINYAN (2008), Fabrice Du Welz
3. QUATRO NOITES COM ANNA (2008), Jerzy Skolimowski
4. MR73 (2008), Olivier Marchal
5. TWO LOVERS (2008), James Gray
6. A FRONTEIRA DA ALVORADA (2008), Philippe Garrel
7. NÃO TOQUE NO MACHADO (2007), Jacques Rivette
8. A TROCA (2008), Clint Eastwood
9. MARTYRS (2008), Pascal Laugier
10. HUNGER (2008), Steve McQueen