EYES OF THE WEREWOLF (1999)

Esse lance de cinema de orçamento minúsculo é especialidade do meu amigo Osvaldo Neto, do blog Vá e Veja, o guru dos B movies, a maior autoridade no Brasil sobre cinema independente de gênero feito nos Estados Unidos. Como ele me incentiva a ver esse tipo de produção com tanto entusiasmo, lá vou eu conferir algumas coisas. Resolvi escrever sobre um dos exemplares em especial que vi esses dias: EYES OF THE WEREWOLF.

Mas antes de começar a falar sobre o filme, é preciso que o leitor tenha em mente que estamos entrando no universo do microbudget e falamos sério sobre o quão irrisório é o montante dessas produções. Não se trata de cinema de baixo orçamento, mas de filmes feitos literalmente SEM orçamento algum! Pelas próprias screenshots do post já dá pra ter uma noção da qualidade dos cenários, do visual pobre, dos efeitos especiais caseiros....

O orçamento de EYES OF THE WEREWOLF, por exemplo, gira em torno de cinco mil dólares, segundo o imdb. CINCO MIL dólares!!! Não dá nem prá pagar o almoço do Tom Cruise num dia de filmagem numa produção Hollywoodiana. E esses caras fazem um filme inteiro com esse dinheiro, na raça e por amor ao cinema de gênero!

E é preciso fazer essa introdução porque esse tipo de cinema, infelizmente, não é pra qualquer um. Pode parecer arrogância, mas são poucos os que possuem paciência e boa vontade para encarar exemplares que parecem filmados com câmera de VHS... Na verdade, muitos filmes desse universo são realmente realizados com esse tipo de equipamento. No entanto, quem conseguir entrar no clima e aproveitar as boas coisas que esses filmes tem a oferecer, será bem recompensado. Eu acho...

Bom, estão avisados. Vamos ao filme. EYES OF THE WEREWOLF é sobre Rich Stevens, um cientista que sofre um acidente de laboratório que o deixa completamente cego. Graças a um milagroso transplante de olhos o sujeito consegue enxergar novamente. O problema é que o médico responsável pela operação compra órgãos do mercado negro e, por uma grande coincidência, os novos olhos do protagonista pertenciam a alguém que nas noites de lua cheia se transformava em lobisomem. É claro que não demora muito e o sujeito começa a uivar, assumir a forma meio lobo, meio humano, e atacar as pessoas durante as noites que a lua brilha mais forte. Rich conta com a ajuda de uma galeria de personagens interessantes, entre eles a enfermeira gostosa Sondra, interpretada pela robusta Stephanie Beaton, e um anão aleijado especializado em ocultismo, além de uma detetive lésbica que fica dando em cima da enfermeira o tempo todo...

O filme foi escrito e dirigido por Tim Sullivan, que também faz o papel do médico. Na verdade, Sullivan é ator e pode ser visto em várias produções do "gênero" microbudget. Embora não seja creditado, o imdb aponta Jeff Leroy também como diretor. Acredito que atualmente Leroy seja a mente mais criativa no cenário independente de gênero, trabalhando em diversas incumbências atrás das câmeras, como diretor de fotografia, edição e efeitos especiais. Neste último item, quase sempre p faz à moda antiga, bem artesanal, evitando ao máximo o uso de CGI, mesmo em trabalhos mais recentes.

Alíás, um dos principais destaques de EYES OF THE WEREWOLF é justamente os efeitos especiais de maquiagem nas cenas dos ataques violentos do lobisomen. Apesar de toscos, são cheios de gore e demonstram a criatividade de Leroy para driblar os evidentes problemas orçamentários.

Mas o principal atrativo do filme se chama Stephanie Beaton, a enfermeira que se apaixona pelo protagonista. Uma ruiva maravilhosa de corpo exuberante e que não tem receio algum em botar os peitões prá fora. E os diretores fizeram muito bem em explorar a boa vontade da moça em tirar a blusa. Os nossos olhos agradecem. Há duas longas cenas de sexo softcore (nem a calcinha ela tira) na qual os atributos de Beaton ficam em expostos por um bom tempo na tela.

Agora, em outros departamentos a coisa complica. O visual dos cenários é bem simples, o trabalho de câmera é pobrezinho, as cenas noturnas são claramente filmadas durante o dia e são porcamente adicionados filtros que imitam a noite; as atuações de todo o elenco são péssimas, com exceção do anão aleijado que parece levar seu personagem à sério. hehehe! Beaton está perdoada pela dose de nudez. Mas tudo isso faz parte do charme desse tipo de produção e seria estranho se não fosse assim. EYES OF THE WEREWOLF é uma boa maneira de entrar com o pé direito nesse universo do microbudget. Há boas ideias, peitos, violência, um lobisomem à solta e cumpre a missão de ser uma despretensiosa diversão.

OBS: Se o imdb estiver correto e Jeff Leroy tiver mesmo participação na direção, trata-se da sua estreia nessa função.

OBS2: Leroy aproveitou exatamente a mesma maquiagem de Lobisomem utilizada aqui em EYES OF THE WEREWOLF em outro filme seu: WEREWOLF IN A WOMEN'S PRISON, outra belezinha que pretendo comentar depois.

VIVER E MORRER EM LOS ANGELES (1985)

Textinho meu para O DIA DA FÚRIA especial WILLIAM FRIEDKIN.
Clique aqui para ler.

O ADEUS DE ALBERT PYUN

AQUI

MAGNUM 44, aka Magnum Force (1973)

Pelo visto, o fato do policial Harry Callahan ter jogado fora seu distintivo ao final de DIRTY HARRY, não valeu absolutamente de nada. O filme ganhou esta primeira continuação dois anos depois e logo no início o personagem de Clint Eastwood já aparece de volta agindo como homem da lei. E seguindo ainda os seus princípios anti-sistema, algo que os críticos de cinema na época acusaram de fascismo. Bando de chatos politicamente corretos...

Em MAGNUM 44 não temos um mestre como Don Siegel na direção. Calhou de ser o pau-pra-toda-obra Ted Post no comando, mas tendo John Milius e Michael Cimino assinando o roteiro fica fácil. Até o Uwe Boll e o Albert Pyun conseguiriam fazer um bom filme.

Basicamente, o que temos em MAGNUM 44 é uma série de assassinatos inusitados acontecendo, colocando a força policial e "Dirty" Harry para esquentar os miolos. As vítimas são sempre pessoas do mundo do crime. Mafiosos, cafetões, procurados pela polícia, e o assassino é sempre um policial fardado com o uniforme da polícia de trânsito. Portanto já podemos perceber uma diferença crucial entre DIRTY HARRY e este aqui. Os bandidos não são serial killers com motivos banais, mas justiceiros que decidem iniciar um trabalho de execução para limpar as ruas de São Francisco.             

É difícil alguém ter simpatia pelo Scorpio, vilão do primeiro filme, mas com esses caras de MAGNUM 44 você pode pensar "bem, eles agem mais ou menos como o Harry, não? Possuem a mesma ideologia". E essa é a beleza da coisa. Nós já conhecemos o personagem de Harry, podemos confiar nele, sabemos que só vai atirar em meliantes armados e ainda soltar uma frase cool logo depois. Mas e esse bando de motoqueiros fardados? Quão fina é a linha traçada que separa Dirty Harry desses justiceiros? É algo a se pensar, mas parece que o personagem de Clint Eastwood já sabe a resposta e não quer perder muito tempo com estudos sociológicos. Seu negócio é ação.

E neste quesito MAGNUM 44 se sai realmente muito bem. O diretor Ted Post segue a linha dos cineastas artesãos que sabem fazer a coisa muita bem feita, embora lhes falte o talento de um Peckinpah. Há boas ideias sendo aproveitadas aqui com muita eficiência, como a sequência de perseguição ao final que culmina numa embarcação abandonada e toda a tensão que é construída para deixar o espectador vidrado. Ajuda bastante a presença de Clint Eastwood em cena acrescentando um toque de classe a mais.

Os assassinatos e o modo de agir dos justiceiros também são destaques. Lembro que foi o que mais me marcou quando era moleque e assisti de uma fita VHS que meu velho gravou da Globo no final dos anos oitenta. A sensação era de estar vendo um filme de horror... Me dava arrepio como tudo era conduzido de forma seca e brutal, o policial pedindo a carteira de motorista do indivíduo e do nada puxava o revolver e mandava chumbo na cabeça. Agora que já sou grandinho a sensação se perde, fica a lembrança. Mas essas cenas ainda possuem muita força.

No post sobre DIRTY HARRY de outro dia, vários fiéis leitores expressaram admiração por MAGNUM 44, dizendo que se tratava do melhor capítulo da saga do policial mais durão de São Francisco. Ok, o filme que originou a série é um autêntico clássico, isso não tenho dúvida alguma, mas preciso confessar que concordo que este aqui supere seu antecessor, é um baita filmaço! Agora vamos ver como se sai THE ENFORCER...

SETE HOMENS E UM DESTINO, aka The Magnificent Seven (1960)

Dizem que Akira Kurosawa se inspirou nos faroestes americanos de John Ford, Budd Boetticher, Delmer Daves, Howard Hawks e outros ao realizar o seu clássico OS SETE SAMURAIS. Por sua vez, John Sturges baseou-se no filme de Kurosawa para realizar o western SETE HOMENS E UM DESTINO. Assisti pela primeira vez quando ainda era moleque e não achei grandes coisas. Revendo hoje acabou se mostrando bem mais interessante por conta da maneira como o filme desmistifica um pouco a áurea dos heróis justiceiros do faroeste americano com reflexões sobre a solidão e o modo de vida desses indivíduos. Algo que eu não havia pescado na infância, interessado apenas em ver pessoas atirando uma nas outras...

Outros westerns já haviam trabalhado esse assunto, portanto, nada de muita originalidade por aqui. Mas o fato é que SETE HOMENS E UM DESTINO deixa de ser apenas um bang-bang de aventura para ser, também, um excelente estudo de personagens. E estes são interpretados por um elenco dos mais notáveis, o que contribui muito para que o espectador não desgrude o olho da tela. SETE HOMENS E UM DESTINO ajudou a alavancar as carreiras de Steve McQueen, Charles Bronson, James Coburn e Robert Vaughn. Conta também com atores experientes, do calibre de Yul Brynner e Eli Wallach. O primeiro, já naquela altura, possuía status de celebridade.

Com toda essa turma reunida, são curiosas algumas, digamos, fofocas de bastidores. McQueen, por exemplo, ávido por mais presença, queria se tornar um astro o mais rápido possível e tentava roubar as cenas de Brynner fazendo coisas que chamassem a atenção para si quando contracenava com o careca. Já Brynner estava preocupado em aparecer bem mais alto que McQueen nos enquadramentos (os dois tinham praticamente a mesma altura). O sujeito chegou a fazer um montinho de terra para ficar em cima, mas McQueen chutava “sem querer querendo” toda vez que passava por ele...

Confrontos de egos à parte, todos estão ótimos e cada um conseguiu transmitir com personalidade as características definidas particularmente para seus personagens. Coburn caladão, sempre na dele, Vaughn medroso traumático, Bronson durão de coração mole, e por aí vai... É bacana também as habilidades específicas de alguns deles, especialmente Bronson, que é um exímio atirador com o rifle, e Coburn, um perito em facas. A divisão na hora de editar as sequências de ação também concede a cada um algumas boas cenas. Nisso John Sturges era muito bom, algo que se comprovou em outros filmes, sobretudo em FUGINDO DO INFERNO (63), clássico que também tinha o trio Bronson, McQueen e Coburn no elenco. Além de uma porrada de outros atores.

Sturges é o que podemos chamar de bom artesão. Não se pode esperar a elegância e maestria de um John Ford ou Don Siegel, mas fazia o que tinha que fazer com muita eficiência. Nesse sentido, as sequências de ação acabam em segundo plano. São filmadas de maneira correta, mas com poucos momentos de maior destaque. Uma das cenas que eu chamaria atenção é quando Robert Vaugh finalmente perde o medo e resolve entrar na ação invadindo uma casa cheia de bandidos.

Mas perguntem a algum fã do filme se ele sente falta de tiroteios mais elaborados. A construção dos personagens, a maneira como interagem, como são desmitificados, até a trilha sonora de Elmer Bernstein, são elementos suficientes para transformar SETE HOMENS E UM DESTINO no autêntico clássico que é. E a história é fascinante. Com uma duração bem menor que a de OS SETE SAMURAIS, há quem diga que os realizadores pegaram somente as “partes boas” do filme do Kurosawa e transformaram neste aqui. Recomendo uma espiada em ambos para as devidas comparações e tirarem suas próprias conclusões.

Curiosidade: Dos principais atores que compõem o elenco, apenas dois ainda estão vivos. Robert Vaughn, com 80 anos, e Eli Wallach, com seus 97 anos bem vividos.

DIRTY HARRY (1971)

Este fim de semana revi dois filmaços que geraram franquias. Revi para refrescar a memória porque o que me interessa mesmo são as continuações, já que nunca assisti, por exemplo, THE ENFORCER e nem DEAD POOL, terceira e quinta continuações, respectivamente, de DIRTY HARRY. Vou aproveitar para rever também MAGNUM FORCE e IMPACTO FULMINANTE e assim, tentar postar a série inteira do policial mais durão de São Francisco, vivido por Clint Eastwood, aqui no blog.

O outro que revi, foi o western SETE HOMENS E UM DESTINO, de John Sturges, cujas continuações ainda não vi... Mais tarde escrevo sobre o primeiro e, durante a semana, vou postando as sequências à medida em que vou conferindo. Por enquanto, vamos ficar com DIRTY HARRY.

Mas se pudesse, eu pulava este e partia logo para o segundo. Fico meio desconfortável, sem algo novo para se dizer sobre DIRTY HARRY... É um clássico, todos sabem. Um dos filmes policiais mais influentes, ao lado de BULLIT e OPERAÇÃO FRANÇA, na renovação do policial americano (como THE STONE KILLER, do post anterior), tendo inspirado a italianada a desenvolver o poliziesco; além de criar um dos personagens mais controversos do gênero, “Dirty” Harry Callahan, que age de acordo com suas próprias leis, cujos ideais nem sempre vão de acordo com os burocráticos métodos da policia e blá, blá, blá...

Pode ser que alguém ainda não saiba que DIRTY HARRY foi baseado na série de assassinatos reais cometidos pelo serial killer chamado Zodíaco, no qual acabou virando um filme mais realista nas mãos do David Fincher em 2007. Uma diferença crucial, obviamente, é que por aqui não há moleza para um assassino tendo um policial casca grossa como “Dirty” Harry Callahan em seu encalço.

DIRTY HARRY foi originalmente anunciado tendo Frank Sinatra no papel título, que vinha fazendo personagens interessantes no fim dos anos sessenta em thrillers policiais e de ação. Mas antes de ser o escolhido, John Wayne, Steve McQueen e Paul Newman também estavam brigando pelo papel. Mas quando Sinatra desistiu, quem acabou encarnando Harry Callahan foi Clint Eastwood.

Com Sinatra pulando fora, o diretor Irvin Kershner também não quis mais saber do projeto. Melhor prá nós, pois Don Siegel, o intelectual da ação, que já havia dirigido Clintão antes, acabou assumindo o posto e fez bonito como sempre. Não faltam por aqui sequências de ação bem orquestradas, tensas e classudas, como a do início, na qual Callahan impede um roubo a banco e aproveita para soltar um de seus discursos mais celebrados:

“I know what you're thinking, punk. You're thinking "did he fire six shots or only five?" Now to tell you the truth I forgot myself in all this excitement. But being this is a .44 Magnum, the most powerful handgun in the world and will blow you head clean off, you've gotta ask yourself a question: "Do I feel lucky?" Well, do ya, punk?”

Cortesia de alguns bons roteiristas daquele período do cinema americano, incluindo John Milius, que trabalhou numa das primeiras versões do script.

Clint Eastwood tem aqui uma magnífica atuação, daquelas que dá pra perceber que o sujeito realmente entende o personagem. E que presença! A cena na qual o bandido manté,m um ônibus escolar como refém e avista de longe a figura de Dirty Harry estática, fria, esperando tranquilamente em cima de uma ponte, pronto para fazer sua magnum 44 cuspir chumbo grosso, é algo que não dá para esquecer facilmente.

Não por acaso, foi com DIRTY HARRY que o sujeito atingiu o status de grande astro de Hollywood naquele período por parte do público, que encarou o filme como um thriller de ação, dos bons, e não como o produto fascista que alguns críticos apontavam. Sim, Dirty Harry tortura e mata bandido sem qualquer remorço... Mas, repito exatamente as minhas palavras do post anterior: me chamem de reacionário, mas no cinema isso é bom demais!

Fascista ou não, prefiro ressaltar a importância que DIRTY HARRY teve para o gênero, a direção magistral de Don Siegel, a atuação de Clint e de Andrew Robinson como Scorpion, o tal serial killer, as sequências de ação pelas ruas de São Francisco e a sensacional trilha de Lalo Schifrin. O resto é resto. No Brasil o filme é conhecido como PERSEGUIDOR IMPLACÁVEL.

JOGO SUJO, aka The Stone Killer (1973)

Charles Bronson e o diretor Michael Winner fizeram seis filmes juntos. Incluindo os três primeiros exemplares da série DESEJO DE MATAR. Não vi RENEGADO IMPIEDOSO, mas THE MECHANIC ainda é o meu favorito dessa parceria, embora tenha assistido hoje a JOGO SUJO, um belo filme policial, e notado que o páreo é duríssimo. Este aqui briga fácil lá em cima entre as primeiras posições.

Bronson é Lou Torrey, um policial eficiente, mas que possui certas manias no seu modo de cumprir o dever que não tem agradado muito seus superiores. Por exemplo, o filme começa quando ele é transferido para outra cidade, de Nova York para Los Angeles, apenas porque atirou para matar num jovem ladrão de dezessete anos. É claro que o meliante estava armado e pondo em risco a vida do herói, mesmo assim, causou mal estar na força policial.

Há um diálogo genial que esclarece bem o ponto de vista do protagonista. Quando questionado por conta da idade do defunto, Torrey responde algo mais ou menos como “a arma em punho lhe deu a maior idade...”

Em Los Angeles começa a trabalhar com algo pequeno. No entanto, a apreensão de um simples traficante de drogas acaba por revelar um profundo e complexo esquema de assassinatos, que envolve a máfia italiana, cujo chefão (vivido por Martin Balsan) planeja vingança pra cima dos responsáveis pelo massacre de sua família, ocorrido há trinta anos. E para isso contrata um exército de ex-soldados da Guerra da Coreia e Vietnã...

Sim, é tão bom quanto parece. JOGO SUJO lembra um pouco os polizieschi, só que filmado nos Estados Unidos, obviamente, e com o estilo áspero de Winner, utilizando locações reais e câmera na mão em alguns momentos. As cenas de ação são bem classudas e brutais, mas isso é o habitual vindo do diretor que temos aqui. A sequência na qual um grupo de mercenários invade um escritório cheio de mafiosos é um espetáculo, uma ode à violência cinematográfica. Há também uma perseguição de carros e alguns outros tiroteios que estão entre as melhores que eu já vi da parceria Bronson-Winner.

E por falar em Bronson, o sujeito está sensacional num personagem muito rico, cínico, inteligente e dramático - como na cena em que defronta o famoso quadro de Goya, no qual Saturno devora o próprio filho - mas que sabe também tratar a bandidagem da maneira que merece. Ou seja, torturando e matando a sangue frio. Bah, me chamem de reacionário, mas no cinema isso é bom demais! Especialmente num exemplar de classe e sem frescura como JOGO SUJO.

MAIS FORTE QUE A VINGANÇA, aka Jeremiah Johnson (1972)

O que dizem os escritos sobre o verdeiro Jeremiah Johnson, um sujeito que decidiu abdicar-se do mundo civilizado para descobrir os mistérios da vida na natureza, caçando animais e enfrentando índios, frio e solidão, é que acabou se tornando um bárbaro assassino comedor de fígados de peles-vermelhas... Lenda ou não, daria um bom exploitation um filme que explorasse essa característica. Ou, nas mãos de um poeta da violência como Peckinpah, poderia render uma obra, digamos, diferenciada. E, de fato, o diretor de STRAW DOGS realmente foi cotado para dirigir MAIS FORTE QUE A VINGANÇA, cujo roteiro é do grande John Milius e teria Clint Eastwood no papel de Johnson.

Provavelmente por conta do álcool e outros entorpecentes, Bloody Sam acabou de lado - como vários outros projetos que o mestre não conseguiu se firmar - e Sydney Pollack ocupou a cadeira de diretor. Robert Redford, no fim das contas, foi quem encarnou o personagem do título original. O roteiro de Milius se manteve, mas aposto que o filme acabou suavizado... Não que isso seja um problema. MAIS FORTE QUE A VINGANÇA segue outra linha. É uma aventura contemplativa e reflexiva, um belíssimo western histórico que conta com um personagem magnífico, cuja vida retratada aqui, independente do grau de violência mostrada na tela, é simplesmente fascinante.

Nunca sabemos os motivos que levaram Johnson a abandonar tudo. Sabemos apenas que foi soldado e há indícios de desilusões com o ser humano, mas seu passado é misterioso. Acompanhamos o protagonista a partir do momento que decide encarar a hostilidade da natureza. Mas seus primeiros passos como homem das montanhas não é fácil e é interessante vê-lo passando maus bocados em situações que dialogam com os clássicos embates "homem vs natureza", na qual diretores como Werner Herzog transformariam em temas fundamentais.

Em determinada altura, algumas figuras entram no caminho de Johnson, como um velho caçador de ursos que lhe dá algumas dicas, mas especialmente um garoto, sobrevivente de um massacre cometido por índios, e a filha de um cacique com quem se casa. Quando decide criar raízes num local, construir uma cabana, e experimentar uma vida em família, o filme mostra que não importa muito o ambiente que ocupamos, seja na vida selvagem da floresta, numa cidade civilizada, numa montanha gelada ou numa cabana quentinha, merdas acontecem.

A partir daí, a trama poderia virar o banho de sangue que fico imaginando nas mãos de um Peckinpah. Tornaria a narrativa mais movimentada, teríamos sequências de ação deflagradoras, mas provavelmente perderíamos a ideia de odisseia intimista e a reflexão sobre a solidão, sublinhada pelas imagens de Jeremiah Johnson isolado no meio das paisagens. Ou talvez não. Mas como não dá pra ter certeza, ficamos na especulação. O que podemos é elogiar o que temos de concreto. O trabalho de locação, por exemplo, o visual das panorâmicas são de encher os olhos!

E é claro que de vez em quando a necessidade de ação surge na trama, como na cena em que, de fato, Johnson age com o olhar embaçado pela vingança, armado com duas espingardas, em direção a um bando de índios.

Vale destacar o desempenho de Robert Redford, que encarou o frio das montanhas durante as filmagens. Não utilizou dublês nem nas cenas em que aparece distante. Mas isso é detalhe, o ator realmente consegue dar alma ao personagem com muita força e expressividade. Digna de nota também é a direção de Sydney Pollack, sujeito que eu nem gosto muito, mas que conseguiu imprimir personalidade neste aqui. Três filmes do Pollack que considero obrigatórios desse período: A NOITE DOS DESESPERADOS, o casca-grossa OPERAÇÃO YAKUZA e, claro, MAIS FORTE QUE A VINGANÇA. Preciso rever O DIA DO CONDOR...

Para finalizar, umas das coisas mais legais sobre este filme é a quantidade de cartazes e artes alternativas bacanas que ele possui espalhados na rede, incluindo com o sensacional título italiano CORVO ROSSO NON AVRAI IL MIO SCALPO!:

 

 

  

CINCO ANOS DEMENTES NA TELA

A COLÔNIA, aka Double Team (Tsui Hark, 1997)

Outro dia me peguei pensando no Mickey Rourke e naquela fase negra da sua carreira nos anos 90, quando, além de outras coisas, chegou a ser vilão de A COLÔNIA, veículo de ação do Van Damme. Digo fase negra quando me refiro a esse momento do Rourke porque o sujeito teve um início realmente brilhante, entregando atuações magistrais como em O SELVAGEM DA MOTOCICLETA e O ANO DO DRAGÃO, e aqui resolveu "abraçar o capeta". Em outras palavras, estava na merda. Em 1997, ano de A COLÔNIA, até os filmes do Van Damme já estavam entrando em declínio após o ator ficar por algum tempo no auge, como herói de ação de produtos hollywoodianos, em TIMECOP, MORTE SÚBITA, SOLDADO UNIVERSAL, etc...

De qualquer maneira, eu gosto de A COLÔNIA. Sim, estamos falando de um suposto fundo do poço para o Rourke e um início de declínio para o Van Damme. No entanto, trata-se de um bom exemplar de ação dos anos 90. Eletrizante e exagerado na medida certa, com boa proporção de tiroteios, pancadaria e explosões muito bem distribuídas durante a narrativa. Quem comanda tudo isso é o mestre do cinema de ação oriental Tsui Hark, que trabalhou com Van Damme em GOLPE FULMINANTE. Temos uma história besta, mas sem muita frescura; um dos meus heróis de ação da infância distribuindo porrada em bandidos e um grande vilão interpretado por um grande ator. Além da ridícula, mas inesquecível, presença do ex-astro da NBA Dennis Rodman como sidekick do herói... Um elemento excêntrico que garante, no mínimo, boas risadas.

O título brasileiro se refere à uma prisão de segurança máxima que o personagem do Van Damme acaba indo parar. Cheio de aparatos tecnológicos, a prisão dá ao filme um caráter de ficção científica. Mas a trama estaciona neste cenário apenas por uns vinte minutos no máximo. Ou seja, A COLÔNIA não é sobre a Colônia. O resto é um jogo de gato e rato entre Van Damme, um agente secreto que acaba incriminado por conta de uma missão mal sucedida, e Rourke, um terrorista badass que perde o filho recém-nascido durante a tal missão. O vilão realmente tem bons motivos para encher o saco do herói...

O diretor Tsui Hark usa de toda a sua habilidade na construção de sequências de ação para criar cenas empolgantes por aqui. O meu destaque vai para a fuga da Colônia e toda a preparação para o ato; ou a porradaria no quarto de hotel, que é um dos pontos altos. Esta cena aliás, apesar de curta, é uma das que comprova uma teoria de que Van Damme sabe realizar movimentos bem coreografados de alto nível quando dirigido por orientais.

Outra sequência de ação que fica sempre na memória é a do gran finale. Menos pelo confronto entre os personagens e mais pelos exageros do cenário em volta. Vejamos: Van Damme encara Rourke sobre um terreno minado em pleno Coliseu de Roma com um tigre os rodeando e o filho recém-nascido do protagonista dentro de um cesto no meio disso tudo. A luta entre os dois nem é grandes coisas, mas a composição do ambiente é que eleva a cena a outro patamar! E o desfecho explosivo não poderia ser melhor. Coroa o cinema do absurdo que esse tipo de filme era capaz de proporcionar.

Mas voltando a falar do Rourke, digamos que A COLÔNIA não é das melhores vitrines para mostrar seus talentos dramáticos. Mas eles são bem utilizados pelo ator na medida do possível, até porque seu personagem possui um lado trágico bem definido, e ele consegue construir um vilão bem interessante, para entrar na galeria de destaque dos adversários do belga. Aliás, Van Damme também vai além da pancadaria neste aqui e demonstra segurança com seu personagem. Mas o grande destaque é a presença singular de Dennis Rodman, com suas roupas excêntricas e cabelos coloridos, que de tão ridículo acaba sendo um parceiro agradável e engraçado. Arrisca ainda uns golpes numas cenas de luta e não se sai tão mal. Hehehe!

Há falhas em A COLÔNIA? Sim, há muitas e está longe de ser dos melhores veículos de Van Damme. Mas isso não me importa nem um pouco. Por isso recomendo sem medo para quem quer um pouco de estupidez em forma de filme, mas que não dispensa um bom espetáculo de ação beeem exagerado!

LIGHT BLAST, aka Colpi di Luce (Enzo G. Castellari, 1985)

Depois de ser campeões da Libertadores o Galo já perdeu duas seguidas, então é melhor eu atualizar isto aqui e tirar logo o escudo do clube do topo. Vamos, então, de mais um Castellari, o divertido LIGHT BLAST, um dos exemplares que oferece o que há de mais absurdo e impagável em termos de ação no cinema italiano daquele período. Além disso, numa história básica e bastante funcional, temos umas três ou quatro perseguições de carro em alta velocidade, um punhado de tiroteios espalhados pela narrativa, algumas cenas de pancadaria e boas doses de explosões. Sem contar os cenários e rostos derretidos ao estilo CAÇADORES DA ARCA PERDIDA por causa de uma super arma que o vilão utiliza. Ou seja, pra que serve um roteiro mesmo?

Erik Estrada (acima) é o protagonista e encarna um policial casca grossa que não tem receio de mandar chumbo grosso pra cima dos bandidos. A trama gira em torno do seu trabalho, junto com a força policial, para impedir o tal vilão de utilizar a poderosa arma que derrete seus alvos com extrema facilidade, incluindo edifícios, veículos e pessoas. Seu plano é fazer chantagens aos governantes para ganhar uma grana fácil. O habitual colaborador de Castellari (e também seu irmão), Ennio Girolami, é quem dá vida ao personagem maquiavélico.  

E é isso. Depois de realizar um trabalho introspectivo, sério e poético como TUAREG, Castellari resolveu voltar a fazer algo bem mais leve com LIGHT BLAST, seguindo a linha dos seus exemplares do início da década de 80. Um filme cuja única pretensão é divertir o público com o máximo de sequências de ação que puder colocar na tela.

E comparado com outros filmes italianos do gênero produzidos naquele período, este aqui aparenta ter um bom orçamento, o que acho muito difícil, já que neste período os italianos trabalhavam cada vez mais com dinheiro reduzido. Não sei quanto foi gasto, mas a sequência final, por exemplo, uma perseguição de carros filmada em São Francisco, me parece muito bem produzida... digo, eles precisam de licença, dublês, carros para batidas, fechar algumas ruas para filmar esse tipo de sequência, etc. Não tenho ideia de como fizeram para pagar tudo isso (ou se realmente pagaram), mas o resultado é ótimo!

No entanto, para quem tem acompanhado o ciclo Castellari por aqui já sabe que falar bem de sequências de ação filmadas pelo diretor é chover no molhado. Nem preciso dizer, portanto, que os tiroteios são bem coreografados e as situações que colocam o protagonista em movimento são criativas, o que é sempre habitual na carreira do italiano. O fator novidade que aparece na por aqui é a tal super arma e as imagens de pessoas sendo derretidas, com efeitos especiais toscos pra cacete! Mas muito legais!

O mesmo pode ser dito sobre Erik Estrada. Até que Castellari conseguiu transformá-lo, pelo menos aqui em LIGHT BLAST, num homem de ação competente, capaz de convencer empunhando uma escopeta ou dirigindo velozmente pelas ruas perseguindo os meliantes. E são acontecimentos dessa espécie que definem a obra, mais uma divertida sandice italiana que merecia ser redescoberta por mais cinéfilos de “bom” gosto!